Doce ilustradores pintarán escaparates con escenas de ‘Alicia en el país de las maravillas’

Reconocidos profesionales de la joyería y la ilustración se citarán en Santander del 16 al 23 de marzo

Extraído de: El Diario.es

Doce ilustradores noveles pintarán en trece escaparates de Santander algunas de las escenas más representativas de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, el libro de Lewis Carroll del que se cumplieron 150 años en 2015, durante la quinta edición de las Jornadas Altera.

Los alumnos de la Escuela de Arte Número 1, el centro que organiza esta iniciativa patrocinada por Santander Creativa, intervendrán las fachadas de espacios culturales de la ciudad (principalmente librerías) con rotuladores y tinta acrílica a partir del próximo 16 de marzo. El público podrá verlas hasta el 31 de este mes.

En esta edición, el proyecto ha querido recordar y celebrar el 150 aniversario de la publicación de ‘Alicia en el país de las maravillas’, uno de los relatos más populares de la literatura.

Por eso, estos jóvenes ilustradores repasarán la historia y los personajes a través de sus doce capítulos del libro: ‘El descenso por la madriguera’, ‘El consejo de la oruga’ o ‘La declaración de Alicia’ son algunos de los títulos.

Más allá de las intervenciones, Altera reunirá a reconocidos profesionales del diseño, la joyería, el cómic, el sector de los videojuegos y la ilustración para impartir talleres y ofrecer charlas en varios espacios del 16 al 23 de marzo.

Así lo han anunciado en rueda de prensa los responsables del proyecto -Jesús García, director de la Escuela, Eva Mercadal y Beatriz Fernández, profesoras- junto al director de la FSC, Marcos Díez.

El programa que han diseñado incluye siete talleres dirigidos por destacados profesionales y artistas en tres espacios diferentes como Enclave Pronillo, la Casa del Estudiante y la sede de la escuela en Puente San Miguel; ocho conferencias en la Biblioteca Central, una exposición en la librería La Vorágine, el encuentro ‘Altera network’ y una fiesta con actuaciones musicales en la sala Black Bird.

Como novedad, desde la escuela han destacado la actividad ‘Network Altera’, un encuentro entre profesionales del diseño gráfico, de los videojuegos y de las editoriales con ilustradores del centro para estrechar lazos y crear redes profesionales entre el sector.

TALLERES Y CHARLAS

El diseñador e ingeniero madrileño Federico Sainz Robles ofrecerá la primera de las conferencias de esta edición el viernes 18 de marzo a partir de las 10 horas en la Biblioteca Central.

Robles trabaja actualmente como técnico en el Departamento de Innovación en Moda del Instituto Tecnológico Textil de AITEX donde gestiona los proyectos de aplicación de la tecnología en la industria de la moda e indumentaria. Su ponencia tratará precisamente de ‘Ingeniería y moda’. También dirigirá un taller en Enclave Pronillo.

Ese mismo día, el ilustrador PUÑO ofrecerá la conferencia ‘Disparen al dibujante’ y dirigirá varias clases en la Casa del Estudiante y Enclave Pronillo tratando de responder a preguntas como estas: ¿Qué ocurre en el cerebro cuando dibujamos?, y al contrario: ¿qué ocurre en el papel cuando obligamos al cerebro a ceñirse a unas reglas?.

Por su parte, el maestro Carlos Codina ofrecerá una charla el lunes 21 sobre ‘Joyería y orfebrería’ y ese mismo día estará en la escuela enseñando técnicas antiguas del metal aplicadas a la joyería.

Además, Carlos Reano profundizará acerca del oficio de diseñador de joyas y desarrollará un taller en la escuela denominado ‘Pátinas sobre metales no férricos’. También este lunes arrancará el taller de Ana Pez sobre el ‘Pop Up’ y el plegado del papel.

Las actividades formativas continúan en la escuela el martes 22 con el taller de Hilda Soto sobre ‘Filigrana’ y las siguientes conferencias: ‘Creatividad y arte en videojuegos: cómo introducirte en el sector’, a cargo de la empresa cántabra Concano Games; ‘Ilustración y cómic en el mercado estadounidense’, dirigida por Álvaro Martínez y ‘Ópera Prima’, por Ana Pez.

Por último, el miércoles 23, el ilustrador Álvaro Iglesias ofrecerá el taller ‘Ilustración de 0 a 100’ mientras que el joyero artesano Calixto Sánchez ofrecerá una conferencia en la Biblioteca Central.

Después, el público podrá conocer el proyecto de “Siempreprimavera”, una pareja de emprendedores campurrianos que han impulsado esta empresa dedicada a la fantasía floral en clave de arreglos, tocados, tiaras, sombreros y diademas y que ya tiene proyección internacional.

Para cerrar el programa, habrá una mesa redonda a cargo de Siempreprimavera y Calixto Sánchez sobre ‘Dificultades, retos y estrategias para el desarrollo de un trabajo creativo’.

http://www.eldiario.es/norte/cantabria/ultima-hora/Doce-ilustradores-escaparates-Alicia-maravillas_0_493451105.html

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AEPAE califica este cómic-libro como manual de trabajo para tutores y educadores

Bajo el título “Érase una vez un cuento”, la editorial Saure nos presenta en formato de cómic, cinco simples pero impactantes historias de niños, que ante problemas que pueden hacerles madurar antes de tiempo, deciden soñar y ser los héroes de sus propios cuentos de fantasía.

Según el presidente de la Asociación para la Prevención del Acoso Escolar AEPAE, que participó en la presentación oficial, este “libro pretende concienciar sobre los diferentes problemas sociales que pueden afectar a la infancia, observar el recorrido de estos problemas ofreciendo una salida a los mismos y subrayar la importancia terapéutica que puede tener la fantasía”.

En este sentido, Miguel del Nogal, director del área de Psico-Asertividad de AEPAE, señaló que “gracias a la fantasía, los niños pueden entender lo que les está ocurriendo y buscar una salida desde su propia perspectiva. Es un camino que a veces se nos escapa a los adultos. Y para entender el problema de forma holística, es necesario saber cómo lo afrontan y como lo sienten”.

“Esta publicación, es sin duda un manual perfecto para que tutores y educadores puedan trabajar en la detección y tratamiento de los problemas de maltrato infantil y bullying”, concluyó Enrique Pérez, presidente de AEPAE.

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La ilustración como ensayo visual

Extraído de Graffica.info.

El Anuario de Ilustradores representa una tesis saludable del estado actual de la ilustración argentina. Una producción editorial que combina ilustraciones radicalmente diferentes en sus variadas concepciones estéticas, conectadas por un interés recíproco en narrar un relato visual. 

En su novena edición, la páginas lustrosas del Anuario de Ilustradoresdescubren historias que capturan el espíritu de su tiempo, como las acuarelas y técnicas mixtas de Martina Trach, Ana Sanfelippo y Gabriela Salem, obras evocativas de una memoria sedosa que interpelan a la infancia. Juan Pez, Ivana Boullón y Pablo Elías, por su parte, invocan en su narrativa un mecanismo del absurdo con altas referencias (p)optimistas. El tono complaciente y flou de algunas obras no disimula, sin embargo, la aparición de otras cuya técnica en 3D, experimentación y arte digital predicen una ilustración contemporánea de referencias sintéticas e idealización líquida, como las esculturas de Guillermo Lizarzuay e Iván Flugelman. O El Bosco revisitado con acento porteño, en el acrílico de Dos Perros. En el Anuario de Ilustradores participan, entre otros, Alina Najlis,Javier Reboursin, Eugenia Mello, Pablo Kondratas, Faka Quiroga, Florencia Kohan, Guillermo Meza, Leandro Castelao y Juan Martín Ayerbe, quienes no solo garabatean o dibujan, sino que en su proceso definen contenidos personales y legitiman el arte de ilustrar como autor. Un ánimo generacional que comparten con el completísimo sitio Ilustradores Argentinos y el Premio a la Ilustración Latinoamericana, organizado por la Universidad de Palermo.

El Anuario de Ilustradores, concebido bajo la forma de financiación colectiva, trama una red que intersecta intereses de una comunidad activa tanto en Latinoamérica como en todo el mundo, cuya perseverancia opaca otras especializaciones de la disciplina, desplazándose, según el crítico Steven Heller, hacia otros géneros. En el prólogo del hiperglobalizado quinto volumen de Illustration Now!, Heller sostiene que «en la década de la aparición del primer volumen de Illustration Now!, la ilustración se fue desplazando a ámbitos cada vez más eclécticos, con tantos estilos y artistas estilizados para elegir, que resulta difícil para cualquiera, sobre todo para mí, predecir los derroteros que tomará esta manifestación artística si no es augurando un futuro luminoso y brillante». Para Heller, cada fragmento representa un patchwork global, cuyos múltiples antecedentes históricos incluyen a Edward Hopper y Seymour Chwast hasta arribar a Noma Bar y la mordacidad de Sue Coe. Steven Heller asume la voz defensora del pragmatismo comercial de School of Visual Arts, así como Anuario de Ilustradores concentra el espíritu educativo de las cátedras de la Universidad de Buenos Aires.

Si en Illustration Now!, el editor de Taschen Julius Wiedemann, reúne por medio de un punto de vista editorial lo mejor de la ilustración contemporánea, el colectivo de Ilustradores Argentinos crea «un collage humano de partes que encuentran un mismo placer, compartir el mundo de la ilustración». Y allí ambos coinciden. En un salto al vacío confesional los integrantes del colectivo dicen «intentamos manifestar la interacción de nuestras voluntades en una superposición de tintas. Encontramos en ellos la afirmación, la ausencia, la reversión, la pregunta, la respuesta, el complemento, el orden y el caos». Frente al dilema de todo ilustrador, es decir el de toda una comunidad, anhelan soltar los prejuicios de la mano y la cabeza ante resultados inesperados, «ensimismándonos, con otros, en grupo, en solitario, atravesado, sufrido y disfrutado, la problemática satisfacción de vernos a todos juntos». Sin duda, el grupo condensa en esta metáfora amplia una visión de conjunto, en tanto géneros, estilos y exigencias, vital para celebrar diez años de ilustración junto a las demandas de la práctica y los placeres de la edición independiente.

http://graffica.info/la-ilustracion-como-ensayo-visual/

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Anuska Allepuz: “Al ver las ilustraciones en una cúpula da la sensación de que te estén abriendo las puertas de un libro”

Extraído de Salamanca24horas.com

Formada en la Universidad de Salamanca, es la ilustradora de ‘Gracias’, libro escrito por Charo Pita en el que está basado el primer corto para fulldome de Mares Virtuales, la Fundación Germán Sánchez Ruipérez y Pencil Ilustradore.

Con el estreno de ‘Gracias’ en Valladolid, corto para fulldome de Mares Virtuales y la Fundación Germán Sánchez Ruipérez en colaboración con Pencil Ilustradores, se inaugura una nueva etapa para estas instituciones.

‘Gracias’ está basado en el cuento del mismo nombre escrito por Charo Pita e ilustrado por Anuska Allepuz, una madrileña formada en la Universidad de Salamanca que ha ganado importantes premios en todo el mundo. A lo largo de su trayectoria ha ilustrado trabajos para Anaya, Edebé, Edelvives, Santillana o el Gobierno de Aragón, entre otros.

-¿Cómo fue el proceso creativo para hacer ‘Gracias’? ¿Fue primero el texto y luego la ilustración o al revés? 

-Primero fue el texto. Me lo enviaron y a partir de ahí comencé con el estudio de los personajes, a decidir que ilustrar en cada escena y qué colores utilizar para definir cada momento del paso del tiempo que describe el texto, del transcurso del día y de la noche.

-¿Qué le parece la unión de los libros ilustrados con la tecnología y con estas cúpulas? 

-Estoy completamente a favor de las nuevas tecnologías y de su unión con los libros ilustrados. No creo que deban competir las nuevas tecnologías con los libros en papel, sino que pueden ser una buena combinación para acercar tanto a niños como adultos a la lectura y ayudar a desarrollar nuevas ideas y planteamientos.

-¿Qué es lo que más le gusta de este corto? 

-La escena de la noche es mi favorita, donde tan sólo se ven los tejados, una ventana abierta y el cielo está plagado de estrellas; parece que las estrellas casi se estén escapando de la pantalla, como si fueran estrellas fugaces. Me encanta esta escena.

-¿Cree que este tipo de formatos ayudan a la difusión de la literatura y de la ilustración?

-Sí, me parece una buena combinación. Aparte, al ver las ilustraciones proyectadas en una cúpula, da la sensación de que te estén abriendo las puertas de un libro y que realmente podrías adentrarte físicamente en él. ¡Me ha gustado mucho ver mis ilustraciones animadas y en este formato! ‘Gracias’ se podrá ver en otros puntos de Castilla y León y Madrid, ya que Mares Virtuales dispone de cúpula propia y, así, se soluciona uno de los grandes problemas de esta tecnología: encontrar un sitio para proyectar unos contenidos tan espectaculares

http://www.salamanca24horas.com/penaranda-las-villas/07-03-2016-anuska-allepuz-al-ver-las-ilustraciones-en-una-cupula-da-la-sensacion-de-que-te-esten-abriendo-las-puertas-de-un-libro

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Raf, el caballero que dibujaba historietas

Extraído de La Vanguardia.

Jordi Canyissà reivindica al creador de Sir Tim O’Theo en una completa biografía profesional

A todos aquellos que se compraban el Mortadelo cada semana no hay que explicarles quién es Raf (1928-1997). Sus historietas de Sir Tim O’Theo, ambientadas en la campiña inglesa, en escenarios como la taberna del Ave Turuta, han marcado a centenares de miles de lectores –la revista tiraba, ejem, 240.000 ejemplares–. Eclipsado por nombres como Ibáñez, Vázquez o Escobar, ahora acaba de publicarse una biografía, Raf. El ‘gentleman’ de Bruguera (Amaníaco), obra del periodista Jordi Canyissà (Barcelona, 1972), que sitúa a este elegante autor de aire británico, espigado y acérrimoperico, en el lugar que siempre debió ocupar: el de uno de los grandes de lahistorieta española.

Los libros sobre autores y escuelas del cómic son claramente uno de los déficits de la oferta editorial española, a diferencia de lo que sucede en países como Estados Unidos o Francia, donde la transmisión de la tradición sigue los cauces establecidos. “Tampoco ninguna institución prepara nada para los 100 años del TBO, que se cumplirán en el 2017”, se lamenta el autor del libro.

Integrado en una estructura industrial de producción de tebeos, Raf fue, entre sus semejantes, el autor que más luchó por cuestiones artísticas, a veces perdiendo su empleo por ello. Canyissà destaca “la modernidad de su trazo” y muestra cómo al principio va siguiendo escuelas y, finalmente, las rompe con un estilo propio.

Canyissà ha empleado varios años de trabajo, rastreando pacientemente las hemerotecas, los mercadillos, las librerías de viejo y los archivos de familiares, amigos y colegas de Raf para catalogar de modo exhaustivo su obra. Ha entrevistado además a todos los dibujantes y protagonistas que quedaban vivos y ofrece más de 100 páginas de cómic, con algunos dibujos nunca vistos.

Lo que más llama la atención es la versatilidad de estilos, que convierten al biografiado en un auténtico camaleón: aventuras de trazo realista –se dio a conocer en 1956 con El Zorro, unas viñetas a lo Capitán Trueno–, cómic característico de la Bruguera antigua, cartoons de humor blanco a la inglesa, historias de Walt Disney, sátira política, fábulas infantiles, dibujos con chicas sexys… “Sabía dibujar más que nadie, no era de esos que repiten unos monigotes. Con un lápiz en la mano, hacía lo que quería”.

“Trabajaba en una fábrica de tintes como contable y lo dejó todo para consagrarse al mundo de los tebeos, casado y con una hija, fue una decisión valiente”, explica su biógrafo. “Raf es muchísimo más que sus obras más célebres –cuenta–, trabajó en otros países, e incluso simultaneó su labor en Bruguera con dibujos en la competencia, como TBO, donde firmaba como Roldán, su segundo apellido, como también publicaba a la vez en Cavall Fort y Tretzevents, y en la época del destape se apuntó a todas las revistas”. Esa ubicuidad hace que seguirlo sea un recorrido por el conjunto del sector.

Canyissà se ocupa, por supuesto, de las abusivas condiciones de trabajo a las que se sometían los dibujantes: “Los derechos de autor eran algo inexistente, hasta el punto de que se copiaban sin disimulo chistes e historias de revistas extranjeras”.

Sir Tim O’Theo –muchos de cuyos guiones los firmó Andreu Martín– “sigue vigente –opina el biógrafo–, es una parodia sobre el mundo de los detectives, basado en Miss Marple y Sherlock Holmes. Otros cómics pierden con los años, Zipi y Zape y su cuarto de los ratones, por ejemplo”.

El lector encontrará muchas curiosidades, como las historietas que hizo para Disney, con los personajes clásicos de la factoría estadounidense. Otro hallazgo es ver los Mortadelos que entintaba Raf, podría decirse que mejorando el original. “Raf atravesaba problemas económicos y su amigo Ibáñez, encumbrado en el éxito, le ofreció el único trabajo que podía ofrecerle”.

Canyissà cree que el personaje de Sherlock Gómez, de su etapa previa a Bruguera, “seguramente inspiró el personaje de Filemón a Ibáñez y su ayudante Waso a Mortadelo”. De hecho, Ibáñez y Raf se lanzaban bromitas personales en sus viñetas. Raf también creó a un personaje bajito –aunque no cegato– llamado irónicamente Rompetechos, en 1956, ocho años antes del de Ibáñez.

Raf acabó trabajando en El Jueves gracias a su amigo Gin, adoptando entonces un estilo más politizado, con guiones de Paco Mir (sí, el del Tricicle), Óscar Nebreda, Joan Tharrats… “Su capacidad para la caricatura era bestial”.

Una pregunta implícita planea a lo largo de toda la obra: ¿por qué dejó de haber cómic en entregas semanales? “En otros países sigue habiéndolo pero aquí, cuando cerró Bruguera, el 23 de julio de 1986, no hubo renovación ni relevo en el campo de las historietas populares, no hubo jamás una verdadera sucesión, a pesar de que hasta entonces, los tebeos se situaban a la cabeza de la industria del entretenimiento”.

http://www.lavanguardia.com/cultura/20160303/40158401109/el-caballero-que-dibujaba-historietas.html

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Iggy Pop posa desnudo para los estudiantes de la Academia de Arte de Nueva York

Extraído de el ABC.

Los trabajos se presentarán en el Museo de Brooklyn a partir del próximo otoño, dentro de un proyecto del artista Jeremy Deller

Desde los comienzos de su carrera a finales de los años sesenta, Iggy Pop ha sido un personaje dado al exhibicionismo. Lo novedoso es que lo haga no en un arrebato punk o provocativo, sino por amor al arte. Porque en esta ocasión se ha desnudado para los estudiantes de la Academia de Arte de Nueva York, en un proyecto comandado por el artista británico Jeremy Dellery que se mostrará en el Museo de Brooklyn el próximo otoño.

El título de este trabajo es «Iggy Pop Life», y según reflexionó Deller en un comunicado, el cuerpo del artista «es fundamental para la comprensión de la música rock y su lugar en la cultura estadounidense. Su cuerpo ha sido testigo de muchas cosas y debe ser documentado».

El fundador de The Stooges, de 68 años, ha hecho de esta manera un alto en los trabajos de su próximo disco, «Post Pop Depression», para el que cuenta con la colaboración de Josh Homme, miembro de Queens of the Stone Age y de Eagles Of Death Metal.

http://www.abc.es/cultura/arte/abci-iggy-posa-desnudo-para-estudiantes-academia-arte-nueva-york-201602292112_noticia.html

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El cómic puede ser todo un arte, ¿o era al revés?

Extraído de El País

Historietistas reinterpretan en viñetas e ilustraciones grandes obras de la pintura en una muestra de la Fundación Telefónica

Entrar en una exposición y encontrarse a La Gioconda como vigilante de sala puede parecer imposible pero no lo es. La de la Monna Lisa es una de las primeras imágenes que surgen en El Arte en el cómic, que se inaugura hoy en la Fundación Telefónica. Como si de una gran pinacoteca se tratara, la exposición reúne a Velázquez, Rembrandt, Toulouse-Lautrec, Picasso, Brueghel, Klimt… todos reflejados desde el prisma de los dibujantes de cómic.

La línea que separa las artes tradicionales de la historieta es cada vez más difusa. A ello contribuye que instituciones como el Museo del Louvre, el de Orsay o el Thyssen de Madrid ya se hayan involucrado con el noveno arte. Los dos franceses tienen colecciones de cómics basadas en obras de sus fondos y el madrileño encargó al dibujante Miguel Ángel Martín una historieta con motivo de la exposición Mitos del Pop, celebrada en 2014. Martín creó un relato que transcurría en esta exposición, que llevó a su terreno y a su psicodélico imaginario.

El comisario de la muestra, Asier Mensuro, señala cómo dentro del cómic hay verdaderos tratados y ensayos del pensamiento de sus creadores. En el caso de Martín destaca una de las viñetas en la que dice que Duchamp mató el arte y Warhol lo enterró. Otro tratado, según el comisario, es El espejo del alma de Teresa Valero y Juan Díaz Canales, que en solo tres páginas hace un repaso de toda la historia de la pintura impresionista.

El cómic es capaz de inspirarse en la pintura y de homenajearla a la vez, así que los responsables de Fundación Telefónica pidieron ex profeso a varios dibujantes que, basándose en obras de la propia colección, hicieran sus interpretaciones. Tyto Alba hace su lectura sobre Vaso, periódico y botella de vino de Juan Gris. En cada uno de los planos del pintor cubista, Alba ha creado una viñeta. Mamen Moreu se enfrentó, más bien se unió, a Picasso, convirtiendo su obra Pintor trabajando en un autorretrato. A Tàpies es al que más le costó afrontar. Moreau no sabía cómo abordar Assemblage amb graffitti del artista catalán. Sin embargo, una vez terminado se confiesa “muy orgullosa” del resultado, y ha hecho deltàpies su mesa del trabajo. Se imaginó una página de cómic en el suelo y de ahí tiró lo que tenía encima de la mesa, le gustó lo que veía y a partir de ahí ha hecho su lectura. Javier Olivares y Santiago García, Premio Nacional del Cómic 2015 por Las Meninas, se han atrevido ahora con Joaquín Torres García y su Constructivo en blanco y negro “TBA”.

De Velázquez a Rembrandt

La última parte de la exposición es un repaso por la cantidad de obras en las que la pintura está dentro del cómic: desde el realismo del Cristo de Velázquez de Luis García Mozos, a los homenajes a Rembrandt de Jacobo Fernández Serrano y Daniel Torres con La ronda del baño turco, en la que los personajes de La ronda de noche conocen a las odaliscas de Ingres. El Guernica de Picasso no podía faltar. Entre otras interpretaciones se muestra la de Paco Roca.

Inevitablemente están presentes dibujantes de la revista El Jueves como Gin, que transforma a la bailarina de Toulouse-Lautrec Jane Avril y a Mariana de Austria, de Velázquez, en futbolistas. Del pintor sevillano también hay una viñeta que representa a Las Meninas como Las mendigas de la serie que la revista dedicó a la crisis. Otra obra histórica es la portada del número 100 de El víbora, en la que colaboraron multitud de dibujantes: Pons, Martí, Gallardo, Nazario… en tiempos en los que no había ni siquiera correo electrónico. “Esto es Historia de España”, dice el comisario. Por tanto, historia del arte también. La Fundación Telefónica quiere dibujar, con esta exposición, la segunda viñeta de su particular historieta, que empezó con la exposición Paco Roca. Dibujante ambulante, para intentar contribuir a incluir el cómic en museos y galerías.

http://cultura.elpais.com/cultura/2016/02/17/actualidad/1455726777_774171.html

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Un artista callejero francés ayuda a París a superar la tragedia

Extraído de Sputnik Mundo.

El artista callejero Fred Le Chevalier no tardó en transmitir su mensaje de amor y paz tras la serie de atentados terroristas de noviembre de 2015 en París.

Fred Chevalier es un vecino del distrito 10 de París, donde se produjo uno de los atentados: varios terroristas dispararon contra la gente sentada fuera del bar Carillón. La noche de la tragedia, el artista no estaba en la ciudad. Al regresar, la escena de abandono y destrucción lo había sumido en un estado de estupor, confesó el artista en su entrevista a Huffington Post.

Al día siguiente la reacción inmediata cedió paso a la necesidad de compañía frente a la tragedia nacional, lo que llevó a centenares de parisinos a los sitios de la masacre para poner flores en homenaje de las víctimas inocentes.

Lo que incitó a Le Chevalier a pintar la primera imagen pocos días después, no fue las llamadas desde los periódicos nacionales, sino un pedido personal de la hermana de uno de los fallecidos. Ella quería que hiciera un dibujo para el ataúd. “No pude resistirme”, confesó el pintor. “Ha sido un momento hermoso”.

Desde entonces las pinturas del artista cubrieron las paredes de las calles testigos de la masacre. Fueron figuras en un ambiente familiar para él: cabezas grandes y miradas tiernas. Las figuritas se abrazan, tocan instrumentos, saborean fondue, se entregan a la rutina. Una mujer pintada, con lágrimas color carmín, sujetaba la vela.

“Estas son mis calles también”, explica el pintor callejero. “No puedo vivir más en un mundo centrado en mí mismo, mi trabajo me da la sensación de que estoy iniciando un diálogo con los demás”.

“Los artistas urbanos están acostumbrados al carácter efímero de su arte”

A diferencia de los grafiteros, los artistas callejeros actúan en un espacio legal, es decir, su trabajo a menudo requiere licencias por parte de las autoridades. Le Chevalier no ocultaba su autoría, pintando a la luz del día. Finalmente, la policía reconoció su derecho de llevar adelante su obra conmemorativa.

Los materiales que usa Le Chevalier no son permanentes y no perjudican los edificios.

“No se sabe —si las imágenes- van a durar cinco minutos o un año. Es una parte del juego, el saber que en cualquier momento pueden desaparecer, lo que también es parte de su belleza”, afirmó el parisino.

Lea más en http://mundo.sputniknews.com/arte/20160217/1056857054/paris-atentados-arte.html#ixzz40W16sbyj

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En el bosque se vive mejor

Una empresa de arte mural decorará las paredes de la Unidad de Oncología Infantil del Hospital de Cruces para mejorar la estancia de los niños

Extraído de: El País

¿Puede el arte cambiar la vida de las personas? Éste es el leitmotiv de la empresa bilbaína de arte mural Wallart y también el impulso de su último proyecto, ‘Imagina el bosque’, que en las próximas dos semanas transformará la Unidad de Oncología Infantil del Hospital Universitario de Cruces. “Cualquiera que haya pasado un tiempo, incluso breve, ingresado en un hospital, sabe que no es un lugar agradable, sino un entorno hostil”, señala el director de proyectos de la firma, Aarón Diego. Es por eso que hace unos meses se puso en contacto con el hospital: “Llevábamos un tiempo queriendo colaborar, hacer algo más que nuestro trabajo. Fuimos a Cruces y les explicamos a qué nos dedicamos. Y dio la casualidad de que con ellos estaba trabajando ya laFundación Aladina“.

Esta organización benéfica, que lleva una década ayudando a los niños con cáncer, contrató el año pasado a una oncopsicóloga que atiende de forma gratuita tanto a los niños en tratamiento en el centro como a los familiares que lo necesitan, apuntan desde la Fundación. Ahora, aprovechando el Día Internacional del cáncer infantil, Wallart dará un paso más: empleará sus brochas y pinceles para convertir, en un par de semanas de trabajo y de forma altruista, los pasillos, salas y habitaciones de Oncología Infantil en un bosque.

¿Cómo será su nuevo aspecto? Los bocetos están listos para dar el primer brochazo y Aarón lo tiene claro: “Buscamos que los niños se sientan identificados con el dibujo, pero también que sea moderno, bonito, que esté hecho de modo que a todo el que lo vea le guste. Hay que tener en cuenta que hay niños de diferentes edades, también familiares que pasan allí tanto tiempo como ellos y, por último, es el lugar de trabajo de muchos profesionales”. Combinarán el uso de vinilos decorativos y pintura para que animales y árboles conviertan en más agradable lo que para muchos niños es, durante etapas más o menos largas de su vida, su hogar. Y es que según Osakidetza, cada año unos 80 nuevos pacientes infantiles son atendidos en los hospitales vascos.

Buscamos comunicar a la sociedad y al arte

La iniciativa, además, coincide con la decisión del Departamento de Salud del Gobierno vasco de concentrar la atención oncológica en dos únicos centros, Cruces y el Hospital Universitario Donostia. Así, con el objetivo de aumentar la especialización y la calidad del servicio, Cruces pasará a ser el centro de referencia para Bizkaia y Araba. Detrás del proyecto, una doble máxima. En primer lugar, establecer un diálogo entre arte y sociedad. “Nuestro planteamiento ha sido siempre ponernos en el lugar de quien va a ver nuestras obras. Tenemos un entorno, una superficie y a quienes la observan. Y diseñamos los murales pensando en esa gente”, afirma Aarón. Pensemos, por ejemplo, en los murales industriales de Detroit que Diego Rivera pintó en los años 30 del siglo pasado.

Son, en total, 27 frescos en los que el artista mexicano abordó la importancia de la industria del automóvil y de los obreros fabriles como motor del cambio social. O, más recientemente, en las pinturas del enigmático y mundialmente conocido Banksy. Entre ellas, la paloma de la paz con chaleco antibalas y el visor de un francotirador apuntándole al pecho que el británico dibujó en Belén, Cisjordania, sobre una pared donde 40 personas murieron en la Primera Intifada. Sumado a ello, un segundo paso: transformar el entorno para transformar nuestras vidas. Algo que, en el ámbito hospitalario, comenzó a ser demostrado hace casi tres décadas.

A principios de los noventa, el profesor de Arquitectura de la Universidad de Texas Robert Ulrich logró probar que los pacientes con acceso a alguna forma de naturaleza -un pequeño jardín o vistas a un parque cercano desde la habitación- se recuperan antes y necesitan menos analgésicos que aquellos con habitaciones interiores. También que las fotografías de agua y árboles en las paredes reducen los niveles de ansiedad y dolor de los enfermos. Una transformación que se inicia esta semana en Cruces con el diálogo entre arte y terapia a través de la pintura.

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/02/15/paisvasco/1455565699_658448.html

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Marisa Marimón muestra la colectiva «El arte del dibujo»

Extraído de La Voz de Galicia.

La exposición incluye obras de Salvador Cidrás, José Lourenço, Tamara Feijoo y Baldo Ramos, entre otros

Marisa Marimón (Benito Vicetto, 5) muestra desde esta semana el proyecto «El arte del dibujo». La galería apuesta en esta ocasión por presentar el trabajo de varios artistas cuya característica común, en las obras elegidas para la exposición, es la utilización del dibujo como técnica y del papel como soporte, «evidenciando la importancia de estos, en el arte contemporáneo actual».

En la muestra, que permanecerá abierta hasta el 15 de abril, se incluyen originales de José Luis Álvarez Seara, Salvador Cidrás, José Lourenço, Tamara Feijoo, Ruth Morán y Baldo Ramos. Muchos artistas contemporáneos utilizan el papel y el dibujo para realizar sus obras «al contrario de lo que ocurría en épocas anteriores».

http://www.lavozdegalicia.es/noticia/ourense/2016/02/11/marisa-marimon-muestra-colectiva-arte-dibujo/0003_201602O11C11994.htm

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