Feminismo ilustrado: actualizando el lenguaje feminista

Extraído de El Mundo.

Se propusieron un objetivo: llevar el feminismo a las nuevas generaciones. Y lo han conseguido con el humor, la ilustración e internet como armas más potentes. Son María Murnau y Helen Sotillo, las artífices de Feminista Ilustrada, una web en la que denuncian el machismo y extienden el mensaje de la igualdad.

En sus ilustraciones, cargadas de ironía, pueden verse a mujeres llevando a hombres en brazos tras salvarlos de situaciones peligrosas o una guía de disfraces para carnaval, protagonizada por el bombero ‘sexy’ o el ‘Mister policeman’, que llevan uniformes ajustados, enseñan muslos y muestran posturas sugerentes. Provocan risa, pero precisamente esa reacción contienen la reflexión que quieren transmitir: en ellas es habitual, en ellos es ridículo, dejando en evidencia los prejuicios sexistas del propio lector.

“Yo personalmente creo que había que actualizar el lenguaje feminista. Por la web circulan muchas citas y referencias antiguas, pero falta imaginario en el movimiento feminista actual”, comenta Sotillo, que se encarga de la parte de la ilustración. María Murnau también pensaba que el feminismo debía adaptarse al lenguaje de los jóvenes para poder llegar hasta ellos: “A muchos adolescentes les hablan defemenismo y se imaginan la típica imagen en blanco y negro. No les hablan de referencias actuales y los maestros no quieren hacerlo, por eso, nosotras vinos ahí un espacio vacío y comenzamos a trabajar en él.

Tras comenzar un máster especializado en género, Murnau se dio cuenta de que había que dotar al feminismo de armas más visuales. Por eso, se alió con una ilustradora y juntas crearon Feminista Ilustrada. Más tarde, abrieron una sección llamada “conceptos” después de darse cuenta de que “muchos no entendía las palabras que se utilizan habitualmente como ‘empoderamiento'”.

La viralidad de las redes sociales hizo el resto: “Hay un ‘boom’ de ilustradoras con muchos seguidores, como Pedrita Parker o P8ladas”, comenta Sotillo:”Los jóvenes dedicamos muy poco tiempo a leer, hacemos ‘scroll’ y no nos detenemos más. Por eso, el uso de una buena imagen era esencial”.

Los temas que tocan son de lo más variados, desde los estereotipos en la publicidad al sexismo en los juguetes de los niños. Eso sí, se cuidan mucho de frivolizar con algunas cuestiones: “No tratamos temas más serios como la prostitución o la violencia de género porque nos parece fuera de lugar hacerlo con este tono”, asevera Murnau. Sus ilustraciones se vuelven virales cuando le dan forma y color areivindicaciones que aún siguen preocupando a las mujeres y los hombres, como la brecha salarial, o cuando utilizan personajes de la cultura popular como la Khaleeside Juego de Tronos.

“Nuestro primer objetivo es la gente joven y los hombres. Hay un sector de chicos jóvenes que no quieren ni oír hablar de las asambleas feministas, que es donde realmente se da mucha información. Las mujeres de 30 o 40 años ya están muy sensibilizadas con estas reivindicaciones por eso intentamos conquistar a un público nuevo”, matiza Murnau. Y de momento, lo están consiguiendo, al menos en la red.

http://www.elmundo.es/yodona/2016/03/24/56e1988be2704e17448b4615.html

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

“Ser mamá es…” Estas ilustraciones te lo explican mejor que los libros

El trabajo de la artista francesa Nathalie Jomard muestra las peripecias de la maternidad
Sus ilustraciones se han compartido en distintas páginas de Facebook y suman miles de compartidos

Extraído de El País.

Su nombre es Nathalie Jomard y es una ilustradora francesa que ha colaborado con distintas editoriales, revistas y campañas publicitarias. Es autora de libros como: Cahier d’exercices pour maman débutante (Ma p’tite famille!), Mon album de grumeau : Avec un doudou y Le petit grumeau illustré 1 y 2. Su trabajo se ha difundido miles de veces – no siempre bajo su consentimiento – en redes sociales, especialmente sus ilustraciones que recrean situaciones de la vida diaria de las mujeres durante el embarazo y al convertirse en madres. Una de esas publicaciones de Facebook sin su permiso se ha compartido desde un perfil mexicano más de 80.000 veces en una semana.

Jomard ha dibujado desde su infancia. En 2008, para dar a conocer su trabajo, decidió lanzar su blog: “Lo llamé Petit précis de grumeautique y en él escribía sobre mis experiencias como madre. El espacio se dio a conocer de boca en boca. Y lectores de todo el mundo llegaron a él pues se identificaron con la temática de mis ilustraciones”, relata la artista via correo electrónico.

En 2009 publicó el libro Le petit Grumeau ilustrée que fue traducido al español y al italiano bajo el nombre “Llega un bichito”.

En 2010, Jomard abrió su página en Facebook, la cual tiene más de 40.000 seguidores y este 2016 hizo lo mismo en Instagram, que hasta ahora cuenta con poco más de 2.000. De acuerdo con ella, estos espacios le han ayudado a “comunicarse y a establecer vínculos”. Sin embargo no todo ha sido miel sobre hojuelas, pues la autora ha tenido que lidiar con problemas de derechos de autor.

“Me hace muy feliz que la gente comparta mis ilustraciones. Es gratificante que reconozcan tu trabajo. Lo que no está bien es que las personas utilicen mi obra para promover sus propios negocios. Cualquiera puede utilizar mi trabajo, mientras no lo haga con fines comerciales, el problema es que en ocasiones las alteran, las cortan y borran mi firma o logo. Eso para nada es una práctica legal y es algo que me preocupa bastante”, sentencia Jomard.

Esta artista francesa es madre de dos pequeños y, según ella, aún cuando ha habido situaciones difíciles, ser mamá es lo mejor que le ha pasado en la vida. Darse cuenta de que su hija sabe más que ella sobre dinosaurios e intentar canalizar la energía de su hijo han sido sólo algunos de los momentos que destaca: “Ser madre es adaptarse, buscar soluciones variadas y superarte todos los días. Es todo un reto y lo disfruto, aunque también disfruto mucho ese momento en el que se van a dormir y me toca descansar”, comenta.

http://verne.elpais.com/verne/2016/03/14/mexico/1457987724_434970.html?platform=hootsuite

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

Doce ilustradores pintarán escaparates con escenas de ‘Alicia en el país de las maravillas’

Reconocidos profesionales de la joyería y la ilustración se citarán en Santander del 16 al 23 de marzo

Extraído de: El Diario.es

Doce ilustradores noveles pintarán en trece escaparates de Santander algunas de las escenas más representativas de ‘Alicia en el País de las Maravillas’, el libro de Lewis Carroll del que se cumplieron 150 años en 2015, durante la quinta edición de las Jornadas Altera.

Los alumnos de la Escuela de Arte Número 1, el centro que organiza esta iniciativa patrocinada por Santander Creativa, intervendrán las fachadas de espacios culturales de la ciudad (principalmente librerías) con rotuladores y tinta acrílica a partir del próximo 16 de marzo. El público podrá verlas hasta el 31 de este mes.

En esta edición, el proyecto ha querido recordar y celebrar el 150 aniversario de la publicación de ‘Alicia en el país de las maravillas’, uno de los relatos más populares de la literatura.

Por eso, estos jóvenes ilustradores repasarán la historia y los personajes a través de sus doce capítulos del libro: ‘El descenso por la madriguera’, ‘El consejo de la oruga’ o ‘La declaración de Alicia’ son algunos de los títulos.

Más allá de las intervenciones, Altera reunirá a reconocidos profesionales del diseño, la joyería, el cómic, el sector de los videojuegos y la ilustración para impartir talleres y ofrecer charlas en varios espacios del 16 al 23 de marzo.

Así lo han anunciado en rueda de prensa los responsables del proyecto -Jesús García, director de la Escuela, Eva Mercadal y Beatriz Fernández, profesoras- junto al director de la FSC, Marcos Díez.

El programa que han diseñado incluye siete talleres dirigidos por destacados profesionales y artistas en tres espacios diferentes como Enclave Pronillo, la Casa del Estudiante y la sede de la escuela en Puente San Miguel; ocho conferencias en la Biblioteca Central, una exposición en la librería La Vorágine, el encuentro ‘Altera network’ y una fiesta con actuaciones musicales en la sala Black Bird.

Como novedad, desde la escuela han destacado la actividad ‘Network Altera’, un encuentro entre profesionales del diseño gráfico, de los videojuegos y de las editoriales con ilustradores del centro para estrechar lazos y crear redes profesionales entre el sector.

TALLERES Y CHARLAS

El diseñador e ingeniero madrileño Federico Sainz Robles ofrecerá la primera de las conferencias de esta edición el viernes 18 de marzo a partir de las 10 horas en la Biblioteca Central.

Robles trabaja actualmente como técnico en el Departamento de Innovación en Moda del Instituto Tecnológico Textil de AITEX donde gestiona los proyectos de aplicación de la tecnología en la industria de la moda e indumentaria. Su ponencia tratará precisamente de ‘Ingeniería y moda’. También dirigirá un taller en Enclave Pronillo.

Ese mismo día, el ilustrador PUÑO ofrecerá la conferencia ‘Disparen al dibujante’ y dirigirá varias clases en la Casa del Estudiante y Enclave Pronillo tratando de responder a preguntas como estas: ¿Qué ocurre en el cerebro cuando dibujamos?, y al contrario: ¿qué ocurre en el papel cuando obligamos al cerebro a ceñirse a unas reglas?.

Por su parte, el maestro Carlos Codina ofrecerá una charla el lunes 21 sobre ‘Joyería y orfebrería’ y ese mismo día estará en la escuela enseñando técnicas antiguas del metal aplicadas a la joyería.

Además, Carlos Reano profundizará acerca del oficio de diseñador de joyas y desarrollará un taller en la escuela denominado ‘Pátinas sobre metales no férricos’. También este lunes arrancará el taller de Ana Pez sobre el ‘Pop Up’ y el plegado del papel.

Las actividades formativas continúan en la escuela el martes 22 con el taller de Hilda Soto sobre ‘Filigrana’ y las siguientes conferencias: ‘Creatividad y arte en videojuegos: cómo introducirte en el sector’, a cargo de la empresa cántabra Concano Games; ‘Ilustración y cómic en el mercado estadounidense’, dirigida por Álvaro Martínez y ‘Ópera Prima’, por Ana Pez.

Por último, el miércoles 23, el ilustrador Álvaro Iglesias ofrecerá el taller ‘Ilustración de 0 a 100’ mientras que el joyero artesano Calixto Sánchez ofrecerá una conferencia en la Biblioteca Central.

Después, el público podrá conocer el proyecto de “Siempreprimavera”, una pareja de emprendedores campurrianos que han impulsado esta empresa dedicada a la fantasía floral en clave de arreglos, tocados, tiaras, sombreros y diademas y que ya tiene proyección internacional.

Para cerrar el programa, habrá una mesa redonda a cargo de Siempreprimavera y Calixto Sánchez sobre ‘Dificultades, retos y estrategias para el desarrollo de un trabajo creativo’.

http://www.eldiario.es/norte/cantabria/ultima-hora/Doce-ilustradores-escaparates-Alicia-maravillas_0_493451105.html

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

AEPAE califica este cómic-libro como manual de trabajo para tutores y educadores

Bajo el título “Érase una vez un cuento”, la editorial Saure nos presenta en formato de cómic, cinco simples pero impactantes historias de niños, que ante problemas que pueden hacerles madurar antes de tiempo, deciden soñar y ser los héroes de sus propios cuentos de fantasía.

Según el presidente de la Asociación para la Prevención del Acoso Escolar AEPAE, que participó en la presentación oficial, este “libro pretende concienciar sobre los diferentes problemas sociales que pueden afectar a la infancia, observar el recorrido de estos problemas ofreciendo una salida a los mismos y subrayar la importancia terapéutica que puede tener la fantasía”.

En este sentido, Miguel del Nogal, director del área de Psico-Asertividad de AEPAE, señaló que “gracias a la fantasía, los niños pueden entender lo que les está ocurriendo y buscar una salida desde su propia perspectiva. Es un camino que a veces se nos escapa a los adultos. Y para entender el problema de forma holística, es necesario saber cómo lo afrontan y como lo sienten”.

“Esta publicación, es sin duda un manual perfecto para que tutores y educadores puedan trabajar en la detección y tratamiento de los problemas de maltrato infantil y bullying”, concluyó Enrique Pérez, presidente de AEPAE.

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

La ilustración como ensayo visual

Extraído de Graffica.info.

El Anuario de Ilustradores representa una tesis saludable del estado actual de la ilustración argentina. Una producción editorial que combina ilustraciones radicalmente diferentes en sus variadas concepciones estéticas, conectadas por un interés recíproco en narrar un relato visual. 

En su novena edición, la páginas lustrosas del Anuario de Ilustradoresdescubren historias que capturan el espíritu de su tiempo, como las acuarelas y técnicas mixtas de Martina Trach, Ana Sanfelippo y Gabriela Salem, obras evocativas de una memoria sedosa que interpelan a la infancia. Juan Pez, Ivana Boullón y Pablo Elías, por su parte, invocan en su narrativa un mecanismo del absurdo con altas referencias (p)optimistas. El tono complaciente y flou de algunas obras no disimula, sin embargo, la aparición de otras cuya técnica en 3D, experimentación y arte digital predicen una ilustración contemporánea de referencias sintéticas e idealización líquida, como las esculturas de Guillermo Lizarzuay e Iván Flugelman. O El Bosco revisitado con acento porteño, en el acrílico de Dos Perros. En el Anuario de Ilustradores participan, entre otros, Alina Najlis,Javier Reboursin, Eugenia Mello, Pablo Kondratas, Faka Quiroga, Florencia Kohan, Guillermo Meza, Leandro Castelao y Juan Martín Ayerbe, quienes no solo garabatean o dibujan, sino que en su proceso definen contenidos personales y legitiman el arte de ilustrar como autor. Un ánimo generacional que comparten con el completísimo sitio Ilustradores Argentinos y el Premio a la Ilustración Latinoamericana, organizado por la Universidad de Palermo.

El Anuario de Ilustradores, concebido bajo la forma de financiación colectiva, trama una red que intersecta intereses de una comunidad activa tanto en Latinoamérica como en todo el mundo, cuya perseverancia opaca otras especializaciones de la disciplina, desplazándose, según el crítico Steven Heller, hacia otros géneros. En el prólogo del hiperglobalizado quinto volumen de Illustration Now!, Heller sostiene que «en la década de la aparición del primer volumen de Illustration Now!, la ilustración se fue desplazando a ámbitos cada vez más eclécticos, con tantos estilos y artistas estilizados para elegir, que resulta difícil para cualquiera, sobre todo para mí, predecir los derroteros que tomará esta manifestación artística si no es augurando un futuro luminoso y brillante». Para Heller, cada fragmento representa un patchwork global, cuyos múltiples antecedentes históricos incluyen a Edward Hopper y Seymour Chwast hasta arribar a Noma Bar y la mordacidad de Sue Coe. Steven Heller asume la voz defensora del pragmatismo comercial de School of Visual Arts, así como Anuario de Ilustradores concentra el espíritu educativo de las cátedras de la Universidad de Buenos Aires.

Si en Illustration Now!, el editor de Taschen Julius Wiedemann, reúne por medio de un punto de vista editorial lo mejor de la ilustración contemporánea, el colectivo de Ilustradores Argentinos crea «un collage humano de partes que encuentran un mismo placer, compartir el mundo de la ilustración». Y allí ambos coinciden. En un salto al vacío confesional los integrantes del colectivo dicen «intentamos manifestar la interacción de nuestras voluntades en una superposición de tintas. Encontramos en ellos la afirmación, la ausencia, la reversión, la pregunta, la respuesta, el complemento, el orden y el caos». Frente al dilema de todo ilustrador, es decir el de toda una comunidad, anhelan soltar los prejuicios de la mano y la cabeza ante resultados inesperados, «ensimismándonos, con otros, en grupo, en solitario, atravesado, sufrido y disfrutado, la problemática satisfacción de vernos a todos juntos». Sin duda, el grupo condensa en esta metáfora amplia una visión de conjunto, en tanto géneros, estilos y exigencias, vital para celebrar diez años de ilustración junto a las demandas de la práctica y los placeres de la edición independiente.

http://graffica.info/la-ilustracion-como-ensayo-visual/

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

Anuska Allepuz: “Al ver las ilustraciones en una cúpula da la sensación de que te estén abriendo las puertas de un libro”

Extraído de Salamanca24horas.com

Formada en la Universidad de Salamanca, es la ilustradora de ‘Gracias’, libro escrito por Charo Pita en el que está basado el primer corto para fulldome de Mares Virtuales, la Fundación Germán Sánchez Ruipérez y Pencil Ilustradore.

Con el estreno de ‘Gracias’ en Valladolid, corto para fulldome de Mares Virtuales y la Fundación Germán Sánchez Ruipérez en colaboración con Pencil Ilustradores, se inaugura una nueva etapa para estas instituciones.

‘Gracias’ está basado en el cuento del mismo nombre escrito por Charo Pita e ilustrado por Anuska Allepuz, una madrileña formada en la Universidad de Salamanca que ha ganado importantes premios en todo el mundo. A lo largo de su trayectoria ha ilustrado trabajos para Anaya, Edebé, Edelvives, Santillana o el Gobierno de Aragón, entre otros.

-¿Cómo fue el proceso creativo para hacer ‘Gracias’? ¿Fue primero el texto y luego la ilustración o al revés? 

-Primero fue el texto. Me lo enviaron y a partir de ahí comencé con el estudio de los personajes, a decidir que ilustrar en cada escena y qué colores utilizar para definir cada momento del paso del tiempo que describe el texto, del transcurso del día y de la noche.

-¿Qué le parece la unión de los libros ilustrados con la tecnología y con estas cúpulas? 

-Estoy completamente a favor de las nuevas tecnologías y de su unión con los libros ilustrados. No creo que deban competir las nuevas tecnologías con los libros en papel, sino que pueden ser una buena combinación para acercar tanto a niños como adultos a la lectura y ayudar a desarrollar nuevas ideas y planteamientos.

-¿Qué es lo que más le gusta de este corto? 

-La escena de la noche es mi favorita, donde tan sólo se ven los tejados, una ventana abierta y el cielo está plagado de estrellas; parece que las estrellas casi se estén escapando de la pantalla, como si fueran estrellas fugaces. Me encanta esta escena.

-¿Cree que este tipo de formatos ayudan a la difusión de la literatura y de la ilustración?

-Sí, me parece una buena combinación. Aparte, al ver las ilustraciones proyectadas en una cúpula, da la sensación de que te estén abriendo las puertas de un libro y que realmente podrías adentrarte físicamente en él. ¡Me ha gustado mucho ver mis ilustraciones animadas y en este formato! ‘Gracias’ se podrá ver en otros puntos de Castilla y León y Madrid, ya que Mares Virtuales dispone de cúpula propia y, así, se soluciona uno de los grandes problemas de esta tecnología: encontrar un sitio para proyectar unos contenidos tan espectaculares

http://www.salamanca24horas.com/penaranda-las-villas/07-03-2016-anuska-allepuz-al-ver-las-ilustraciones-en-una-cupula-da-la-sensacion-de-que-te-esten-abriendo-las-puertas-de-un-libro

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

Raf, el caballero que dibujaba historietas

Extraído de La Vanguardia.

Jordi Canyissà reivindica al creador de Sir Tim O’Theo en una completa biografía profesional

A todos aquellos que se compraban el Mortadelo cada semana no hay que explicarles quién es Raf (1928-1997). Sus historietas de Sir Tim O’Theo, ambientadas en la campiña inglesa, en escenarios como la taberna del Ave Turuta, han marcado a centenares de miles de lectores –la revista tiraba, ejem, 240.000 ejemplares–. Eclipsado por nombres como Ibáñez, Vázquez o Escobar, ahora acaba de publicarse una biografía, Raf. El ‘gentleman’ de Bruguera (Amaníaco), obra del periodista Jordi Canyissà (Barcelona, 1972), que sitúa a este elegante autor de aire británico, espigado y acérrimoperico, en el lugar que siempre debió ocupar: el de uno de los grandes de lahistorieta española.

Los libros sobre autores y escuelas del cómic son claramente uno de los déficits de la oferta editorial española, a diferencia de lo que sucede en países como Estados Unidos o Francia, donde la transmisión de la tradición sigue los cauces establecidos. “Tampoco ninguna institución prepara nada para los 100 años del TBO, que se cumplirán en el 2017”, se lamenta el autor del libro.

Integrado en una estructura industrial de producción de tebeos, Raf fue, entre sus semejantes, el autor que más luchó por cuestiones artísticas, a veces perdiendo su empleo por ello. Canyissà destaca “la modernidad de su trazo” y muestra cómo al principio va siguiendo escuelas y, finalmente, las rompe con un estilo propio.

Canyissà ha empleado varios años de trabajo, rastreando pacientemente las hemerotecas, los mercadillos, las librerías de viejo y los archivos de familiares, amigos y colegas de Raf para catalogar de modo exhaustivo su obra. Ha entrevistado además a todos los dibujantes y protagonistas que quedaban vivos y ofrece más de 100 páginas de cómic, con algunos dibujos nunca vistos.

Lo que más llama la atención es la versatilidad de estilos, que convierten al biografiado en un auténtico camaleón: aventuras de trazo realista –se dio a conocer en 1956 con El Zorro, unas viñetas a lo Capitán Trueno–, cómic característico de la Bruguera antigua, cartoons de humor blanco a la inglesa, historias de Walt Disney, sátira política, fábulas infantiles, dibujos con chicas sexys… “Sabía dibujar más que nadie, no era de esos que repiten unos monigotes. Con un lápiz en la mano, hacía lo que quería”.

“Trabajaba en una fábrica de tintes como contable y lo dejó todo para consagrarse al mundo de los tebeos, casado y con una hija, fue una decisión valiente”, explica su biógrafo. “Raf es muchísimo más que sus obras más célebres –cuenta–, trabajó en otros países, e incluso simultaneó su labor en Bruguera con dibujos en la competencia, como TBO, donde firmaba como Roldán, su segundo apellido, como también publicaba a la vez en Cavall Fort y Tretzevents, y en la época del destape se apuntó a todas las revistas”. Esa ubicuidad hace que seguirlo sea un recorrido por el conjunto del sector.

Canyissà se ocupa, por supuesto, de las abusivas condiciones de trabajo a las que se sometían los dibujantes: “Los derechos de autor eran algo inexistente, hasta el punto de que se copiaban sin disimulo chistes e historias de revistas extranjeras”.

Sir Tim O’Theo –muchos de cuyos guiones los firmó Andreu Martín– “sigue vigente –opina el biógrafo–, es una parodia sobre el mundo de los detectives, basado en Miss Marple y Sherlock Holmes. Otros cómics pierden con los años, Zipi y Zape y su cuarto de los ratones, por ejemplo”.

El lector encontrará muchas curiosidades, como las historietas que hizo para Disney, con los personajes clásicos de la factoría estadounidense. Otro hallazgo es ver los Mortadelos que entintaba Raf, podría decirse que mejorando el original. “Raf atravesaba problemas económicos y su amigo Ibáñez, encumbrado en el éxito, le ofreció el único trabajo que podía ofrecerle”.

Canyissà cree que el personaje de Sherlock Gómez, de su etapa previa a Bruguera, “seguramente inspiró el personaje de Filemón a Ibáñez y su ayudante Waso a Mortadelo”. De hecho, Ibáñez y Raf se lanzaban bromitas personales en sus viñetas. Raf también creó a un personaje bajito –aunque no cegato– llamado irónicamente Rompetechos, en 1956, ocho años antes del de Ibáñez.

Raf acabó trabajando en El Jueves gracias a su amigo Gin, adoptando entonces un estilo más politizado, con guiones de Paco Mir (sí, el del Tricicle), Óscar Nebreda, Joan Tharrats… “Su capacidad para la caricatura era bestial”.

Una pregunta implícita planea a lo largo de toda la obra: ¿por qué dejó de haber cómic en entregas semanales? “En otros países sigue habiéndolo pero aquí, cuando cerró Bruguera, el 23 de julio de 1986, no hubo renovación ni relevo en el campo de las historietas populares, no hubo jamás una verdadera sucesión, a pesar de que hasta entonces, los tebeos se situaban a la cabeza de la industria del entretenimiento”.

http://www.lavanguardia.com/cultura/20160303/40158401109/el-caballero-que-dibujaba-historietas.html

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

Iggy Pop posa desnudo para los estudiantes de la Academia de Arte de Nueva York

Extraído de el ABC.

Los trabajos se presentarán en el Museo de Brooklyn a partir del próximo otoño, dentro de un proyecto del artista Jeremy Deller

Desde los comienzos de su carrera a finales de los años sesenta, Iggy Pop ha sido un personaje dado al exhibicionismo. Lo novedoso es que lo haga no en un arrebato punk o provocativo, sino por amor al arte. Porque en esta ocasión se ha desnudado para los estudiantes de la Academia de Arte de Nueva York, en un proyecto comandado por el artista británico Jeremy Dellery que se mostrará en el Museo de Brooklyn el próximo otoño.

El título de este trabajo es «Iggy Pop Life», y según reflexionó Deller en un comunicado, el cuerpo del artista «es fundamental para la comprensión de la música rock y su lugar en la cultura estadounidense. Su cuerpo ha sido testigo de muchas cosas y debe ser documentado».

El fundador de The Stooges, de 68 años, ha hecho de esta manera un alto en los trabajos de su próximo disco, «Post Pop Depression», para el que cuenta con la colaboración de Josh Homme, miembro de Queens of the Stone Age y de Eagles Of Death Metal.

http://www.abc.es/cultura/arte/abci-iggy-posa-desnudo-para-estudiantes-academia-arte-nueva-york-201602292112_noticia.html

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

El cómic puede ser todo un arte, ¿o era al revés?

Extraído de El País

Historietistas reinterpretan en viñetas e ilustraciones grandes obras de la pintura en una muestra de la Fundación Telefónica

Entrar en una exposición y encontrarse a La Gioconda como vigilante de sala puede parecer imposible pero no lo es. La de la Monna Lisa es una de las primeras imágenes que surgen en El Arte en el cómic, que se inaugura hoy en la Fundación Telefónica. Como si de una gran pinacoteca se tratara, la exposición reúne a Velázquez, Rembrandt, Toulouse-Lautrec, Picasso, Brueghel, Klimt… todos reflejados desde el prisma de los dibujantes de cómic.

La línea que separa las artes tradicionales de la historieta es cada vez más difusa. A ello contribuye que instituciones como el Museo del Louvre, el de Orsay o el Thyssen de Madrid ya se hayan involucrado con el noveno arte. Los dos franceses tienen colecciones de cómics basadas en obras de sus fondos y el madrileño encargó al dibujante Miguel Ángel Martín una historieta con motivo de la exposición Mitos del Pop, celebrada en 2014. Martín creó un relato que transcurría en esta exposición, que llevó a su terreno y a su psicodélico imaginario.

El comisario de la muestra, Asier Mensuro, señala cómo dentro del cómic hay verdaderos tratados y ensayos del pensamiento de sus creadores. En el caso de Martín destaca una de las viñetas en la que dice que Duchamp mató el arte y Warhol lo enterró. Otro tratado, según el comisario, es El espejo del alma de Teresa Valero y Juan Díaz Canales, que en solo tres páginas hace un repaso de toda la historia de la pintura impresionista.

El cómic es capaz de inspirarse en la pintura y de homenajearla a la vez, así que los responsables de Fundación Telefónica pidieron ex profeso a varios dibujantes que, basándose en obras de la propia colección, hicieran sus interpretaciones. Tyto Alba hace su lectura sobre Vaso, periódico y botella de vino de Juan Gris. En cada uno de los planos del pintor cubista, Alba ha creado una viñeta. Mamen Moreu se enfrentó, más bien se unió, a Picasso, convirtiendo su obra Pintor trabajando en un autorretrato. A Tàpies es al que más le costó afrontar. Moreau no sabía cómo abordar Assemblage amb graffitti del artista catalán. Sin embargo, una vez terminado se confiesa “muy orgullosa” del resultado, y ha hecho deltàpies su mesa del trabajo. Se imaginó una página de cómic en el suelo y de ahí tiró lo que tenía encima de la mesa, le gustó lo que veía y a partir de ahí ha hecho su lectura. Javier Olivares y Santiago García, Premio Nacional del Cómic 2015 por Las Meninas, se han atrevido ahora con Joaquín Torres García y su Constructivo en blanco y negro “TBA”.

De Velázquez a Rembrandt

La última parte de la exposición es un repaso por la cantidad de obras en las que la pintura está dentro del cómic: desde el realismo del Cristo de Velázquez de Luis García Mozos, a los homenajes a Rembrandt de Jacobo Fernández Serrano y Daniel Torres con La ronda del baño turco, en la que los personajes de La ronda de noche conocen a las odaliscas de Ingres. El Guernica de Picasso no podía faltar. Entre otras interpretaciones se muestra la de Paco Roca.

Inevitablemente están presentes dibujantes de la revista El Jueves como Gin, que transforma a la bailarina de Toulouse-Lautrec Jane Avril y a Mariana de Austria, de Velázquez, en futbolistas. Del pintor sevillano también hay una viñeta que representa a Las Meninas como Las mendigas de la serie que la revista dedicó a la crisis. Otra obra histórica es la portada del número 100 de El víbora, en la que colaboraron multitud de dibujantes: Pons, Martí, Gallardo, Nazario… en tiempos en los que no había ni siquiera correo electrónico. “Esto es Historia de España”, dice el comisario. Por tanto, historia del arte también. La Fundación Telefónica quiere dibujar, con esta exposición, la segunda viñeta de su particular historieta, que empezó con la exposición Paco Roca. Dibujante ambulante, para intentar contribuir a incluir el cómic en museos y galerías.

http://cultura.elpais.com/cultura/2016/02/17/actualidad/1455726777_774171.html

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin

Un artista callejero francés ayuda a París a superar la tragedia

Extraído de Sputnik Mundo.

El artista callejero Fred Le Chevalier no tardó en transmitir su mensaje de amor y paz tras la serie de atentados terroristas de noviembre de 2015 en París.

Fred Chevalier es un vecino del distrito 10 de París, donde se produjo uno de los atentados: varios terroristas dispararon contra la gente sentada fuera del bar Carillón. La noche de la tragedia, el artista no estaba en la ciudad. Al regresar, la escena de abandono y destrucción lo había sumido en un estado de estupor, confesó el artista en su entrevista a Huffington Post.

Al día siguiente la reacción inmediata cedió paso a la necesidad de compañía frente a la tragedia nacional, lo que llevó a centenares de parisinos a los sitios de la masacre para poner flores en homenaje de las víctimas inocentes.

Lo que incitó a Le Chevalier a pintar la primera imagen pocos días después, no fue las llamadas desde los periódicos nacionales, sino un pedido personal de la hermana de uno de los fallecidos. Ella quería que hiciera un dibujo para el ataúd. “No pude resistirme”, confesó el pintor. “Ha sido un momento hermoso”.

Desde entonces las pinturas del artista cubrieron las paredes de las calles testigos de la masacre. Fueron figuras en un ambiente familiar para él: cabezas grandes y miradas tiernas. Las figuritas se abrazan, tocan instrumentos, saborean fondue, se entregan a la rutina. Una mujer pintada, con lágrimas color carmín, sujetaba la vela.

“Estas son mis calles también”, explica el pintor callejero. “No puedo vivir más en un mundo centrado en mí mismo, mi trabajo me da la sensación de que estoy iniciando un diálogo con los demás”.

“Los artistas urbanos están acostumbrados al carácter efímero de su arte”

A diferencia de los grafiteros, los artistas callejeros actúan en un espacio legal, es decir, su trabajo a menudo requiere licencias por parte de las autoridades. Le Chevalier no ocultaba su autoría, pintando a la luz del día. Finalmente, la policía reconoció su derecho de llevar adelante su obra conmemorativa.

Los materiales que usa Le Chevalier no son permanentes y no perjudican los edificios.

“No se sabe —si las imágenes- van a durar cinco minutos o un año. Es una parte del juego, el saber que en cualquier momento pueden desaparecer, lo que también es parte de su belleza”, afirmó el parisino.

Lea más en http://mundo.sputniknews.com/arte/20160217/1056857054/paris-atentados-arte.html#ixzz40W16sbyj

Facebooktwittergoogle_plusredditpinterestlinkedin